“感性认识固然是初步印象，是大概的认识；理性认识是深入一步，了解到本质。但是艺术的领会，还不能以此为限。必须再深入进去，把理性所认识的，用心灵去体会，才能使原作者的悲欢喜怒化为你自己的悲欢喜怒，使原作者每一根神经的震颤都在你的神经上引起反响。”
我在那一层？目前大概是第一层，但有向第二层发展的愿望。至于能否到达第三层……还是留到几十年后再说吧。
某人号称喜欢肖邦，有不少盗版CD。问他肖邦好在哪里，除了“抒情”再说不出什么别的。当时想，他真应该“理性认识”一下。现在想起来又何必，很多时候“欣赏”仅仅是纯粹的体验，何必如此沉重。
“近代有名的悲剧演员可分两派：一派是浑身投入忘其所以，观众好像看到真正的剧中人在面前歌哭；情绪的激动、呼吸的起伏，竟会把人在火热的浪潮中卷走。一派刻画人物惟妙惟肖，也有大起大落的激情，同时又处处有一个恰如其分的节度，从来不流于“狂易”之境。心理学家说这等演员似乎有双重人格：既是演员，同时又是观众。演员是他与剧中人物合一，观众是他一切演技不会过火。因为他随时随地站在圈子以外冷眼观察自己，故即使到了猛烈的高潮顶峰仍然能控制自己。以艺术而言，我想第二种演员应当更高级。观众除了与剧中人发生共鸣，亲身经受强烈的情感以外，还感到理性节制的伟大，人不被自己的情欲完全控制的伟大，这伟大也就是一种美。”
这段话让我想起了程蝶衣。毫无疑问，他是第一种人。在戏中，他分不清自己到底是虞姬还是程蝶衣。在戏外，张国荣也分不清，或从来没想分清。傅雷崇尚理性，但人生如戏，面对感情，又有多少人能“既是演员，又是观众”？
“一个人的思想 不动笔就不会有系统，日子久了，也就放过去了，甚至于忘了，岂不可惜，就为这个缘故，我常常逼你多写信，这也是很重要的：理性认识的训练。”
这正是我的目的——梳理思想，训练理性。也许我本质上有感性的一面，所以才不得不刻意压制
2008年8月12日
傅雷《西方美术名作二十讲》读书笔记——古典主义雕塑与绘画
（一）人本
古典主义源于古希腊，当时的人们认为，“人”是宇宙的中心，一切美均皆孕育其中。所以，希腊人崇尚完美的人体。从奥林匹亚的“掷铁饼者”到米洛斯岛的“维纳斯”，他们所表现的，不仅是强健的体魄、高贵的姿态、优雅的曲线，还有那完美躯体下蕴含的惊人的智慧与伟大的心灵。文艺复兴及以后的古典画家秉承了古希腊的人本主义精神，并发扬光大，但就素材而言，“人“永远是其唯一的表现对象。直到18世纪，随着浪漫派风景画和印象派的兴起，欧洲人才认识到，除了人，自然原也可以很美。
掷铁饼者-古希腊米隆
米洛斯的维纳斯-古希腊
西斯廷礼拜堂天顶画《创世纪》-米开朗基罗
很难想象，如此宏大的题材中只有上帝和亚当，而几乎没有环境的因素。西斯廷礼拜堂天顶画全景
（二）理性
“人啊，认识你自己。”两千多年前，古希腊的智者在德尔斐神庙留下了这段铭文。它向我们表明，人来源于对自身的认知。从那时起至文艺复兴，人们为了认识自我，表现自我，孜孜不倦的研究人体解剖、素描、造型中的奥妙。这与其说是艺术，毋宁是科学，其间闪耀着理性的光辉。今天，当我们欣赏这些伟大的作品，心境是如此平稳、和谐。这是一种庄严的美。它带给我们乃一种“惊佩”——那完美躯体下的每一个细节，都经过仔细的推敲，它们的存在亦带有强烈的目的性。对各种技巧与形式理解愈深入，此种“惊佩”会愈强烈，最终与艺术家产生共鸣。
哀悼基督－米开朗基罗
繁复的衣褶和多变的线条突出了织物下人体的美感。在造型上，圣母微微右倾，以支撑向左躺倒的基督，确保整个雕塑的重心在中线上。这显然是经过精心测算的，以增强稳定性。
岩间圣母－达芬奇
将所有人物巧妙的安排在一个等边三角形上，以增强画面的稳定感，是古典绘画雕塑里常用的技巧。这样的构图，在达芬奇与拉斐尔的圣母画中常用的。
自画像－达芬奇
达芬奇对人体解剖学做过深入研究，所以聊聊数笔便使人物如此传神。
（三）完美
古典主义崇尚完美，但现实却总会有缺憾，唯有对其改造升华，才可获得真正完美。米开朗基罗曾说过：一切“中顺的表现”现实的形象是艺术的下品。他所追求的是崇高的人，或具有神性的人。
洛伦佐梅迪契墓－米开朗基罗
这座雕像完成时，很多人诟病他不像洛伦佐梅迪契本人，米开朗基罗对此却不屑一顾。他想表现的是理想化的梅迪契——一位身披铠甲的古罗马战神。
拉薇拉塔－拉斐尔
西斯庭圣母－拉斐尔
据说拉薇拉塔是拉斐尔的初恋情人，我们从这个美丽少女身上感受到了人世间的甜美与温情。在西斯庭圣母中，我们依旧可以发现拉薇拉塔的影子，她依旧恬静，但却又如此高迈遥远。她肩负着崇高的使命，将怀中的基督带到凡间，为全人类受难。看来，要成为“神”的，便不可再是“人”的。
（四）后文艺复兴
文艺复兴后，人们厌倦了理性，转而追求感情自然的流露。
木匠家庭－伦勃朗
一束强烈的光线从窗外射来，照亮了圣母怀中的基督，其它部分被黑暗笼罩。这是伦勃朗的一贯手法：用黑暗衬托光明，并用光将全部人物沐浴在一种神圣的氛围中。观者似乎受到这种氛围感染，而被引领到远离现实的世界中。
氛围虽然是神圣的，但人物、环境却是写实的。在这里，圣母和圣安尼不复象达芬奇、拉斐尔笔下那般完美，她们只是普通的乡村妇女，生活在一个普通的木匠家庭。而家中的一切，连最细微的部分亦是用写实主义描绘。因为真实，所以亲切；因为亲切，所以感动。这是人的，而非神的。
鲁本斯（未完待续）
古典主义源于古希腊，当时的人们认为，“人”是宇宙的中心，一切美均皆孕育其中。所以，希腊人崇尚完美的人体。从奥林匹亚的“掷铁饼者”到米洛斯岛的“维纳斯”，他们所表现的，不仅是强健的体魄、高贵的姿态、优雅的曲线，还有那完美躯体下蕴含的惊人的智慧与伟大的心灵。文艺复兴及以后的古典画家秉承了古希腊的人本主义精神，并发扬光大，但就素材而言，“人“永远是其唯一的表现对象。直到18世纪，随着浪漫派风景画和印象派的兴起，欧洲人才认识到，除了人，自然原也可以很美。
掷铁饼者-古希腊米隆
米洛斯的维纳斯-古希腊
西斯廷礼拜堂天顶画《创世纪》-米开朗基罗
很难想象，如此宏大的题材中只有上帝和亚当，而几乎没有环境的因素。西斯廷礼拜堂天顶画全景
（二）理性
“人啊，认识你自己。”两千多年前，古希腊的智者在德尔斐神庙留下了这段铭文。它向我们表明，人来源于对自身的认知。从那时起至文艺复兴，人们为了认识自我，表现自我，孜孜不倦的研究人体解剖、素描、造型中的奥妙。这与其说是艺术，毋宁是科学，其间闪耀着理性的光辉。今天，当我们欣赏这些伟大的作品，心境是如此平稳、和谐。这是一种庄严的美。它带给我们乃一种“惊佩”——那完美躯体下的每一个细节，都经过仔细的推敲，它们的存在亦带有强烈的目的性。对各种技巧与形式理解愈深入，此种“惊佩”会愈强烈，最终与艺术家产生共鸣。
哀悼基督－米开朗基罗
繁复的衣褶和多变的线条突出了织物下人体的美感。在造型上，圣母微微右倾，以支撑向左躺倒的基督，确保整个雕塑的重心在中线上。这显然是经过精心测算的，以增强稳定性。
岩间圣母－达芬奇
将所有人物巧妙的安排在一个等边三角形上，以增强画面的稳定感，是古典绘画雕塑里常用的技巧。这样的构图，在达芬奇与拉斐尔的圣母画中常用的。
自画像－达芬奇
达芬奇对人体解剖学做过深入研究，所以聊聊数笔便使人物如此传神。
（三）完美
古典主义崇尚完美，但现实却总会有缺憾，唯有对其改造升华，才可获得真正完美。米开朗基罗曾说过：一切“中顺的表现”现实的形象是艺术的下品。他所追求的是崇高的人，或具有神性的人。
洛伦佐梅迪契墓－米开朗基罗
这座雕像完成时，很多人诟病他不像洛伦佐梅迪契本人，米开朗基罗对此却不屑一顾。他想表现的是理想化的梅迪契——一位身披铠甲的古罗马战神。
拉薇拉塔－拉斐尔
西斯庭圣母－拉斐尔
据说拉薇拉塔是拉斐尔的初恋情人，我们从这个美丽少女身上感受到了人世间的甜美与温情。在西斯庭圣母中，我们依旧可以发现拉薇拉塔的影子，她依旧恬静，但却又如此高迈遥远。她肩负着崇高的使命，将怀中的基督带到凡间，为全人类受难。看来，要成为“神”的，便不可再是“人”的。
（四）后文艺复兴
文艺复兴后，人们厌倦了理性，转而追求感情自然的流露。
木匠家庭－伦勃朗
一束强烈的光线从窗外射来，照亮了圣母怀中的基督，其它部分被黑暗笼罩。这是伦勃朗的一贯手法：用黑暗衬托光明，并用光将全部人物沐浴在一种神圣的氛围中。观者似乎受到这种氛围感染，而被引领到远离现实的世界中。
氛围虽然是神圣的，但人物、环境却是写实的。在这里，圣母和圣安尼不复象达芬奇、拉斐尔笔下那般完美，她们只是普通的乡村妇女，生活在一个普通的木匠家庭。而家中的一切，连最细微的部分亦是用写实主义描绘。因为真实，所以亲切；因为亲切，所以感动。这是人的，而非神的。
鲁本斯（未完待续）
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