古典主义源于古希腊，当时的人们认为，“人”是宇宙的中心，一切美均皆孕育其中。所以，希腊人崇尚完美的人体。从奥林匹亚的“掷铁饼者”到米洛斯岛的“维纳斯”，他们所表现的，不仅是强健的体魄、高贵的姿态、优雅的曲线，还有那完美躯体下蕴含的惊人的智慧与伟大的心灵。文艺复兴及以后的古典画家秉承了古希腊的人本主义精神，并发扬光大，但就素材而言，“人“永远是其唯一的表现对象。直到18世纪，随着浪漫派风景画和印象派的兴起，欧洲人才认识到，除了人，自然原也可以很美。
掷铁饼者-古希腊米隆
米洛斯的维纳斯-古希腊
西斯廷礼拜堂天顶画《创世纪》-米开朗基罗
很难想象，如此宏大的题材中只有上帝和亚当，而几乎没有环境的因素。西斯廷礼拜堂天顶画全景
（二）理性
“人啊，认识你自己。”两千多年前，古希腊的智者在德尔斐神庙留下了这段铭文。它向我们表明，人来源于对自身的认知。从那时起至文艺复兴，人们为了认识自我，表现自我，孜孜不倦的研究人体解剖、素描、造型中的奥妙。这与其说是艺术，毋宁是科学，其间闪耀着理性的光辉。今天，当我们欣赏这些伟大的作品，心境是如此平稳、和谐。这是一种庄严的美。它带给我们乃一种“惊佩”——那完美躯体下的每一个细节，都经过仔细的推敲，它们的存在亦带有强烈的目的性。对各种技巧与形式理解愈深入，此种“惊佩”会愈强烈，最终与艺术家产生共鸣。
哀悼基督－米开朗基罗
繁复的衣褶和多变的线条突出了织物下人体的美感。在造型上，圣母微微右倾，以支撑向左躺倒的基督，确保整个雕塑的重心在中线上。这显然是经过精心测算的，以增强稳定性。
岩间圣母－达芬奇
将所有人物巧妙的安排在一个等边三角形上，以增强画面的稳定感，是古典绘画雕塑里常用的技巧。这样的构图，在达芬奇与拉斐尔的圣母画中常用的。
自画像－达芬奇
达芬奇对人体解剖学做过深入研究，所以聊聊数笔便使人物如此传神。
（三）完美
古典主义崇尚完美，但现实却总会有缺憾，唯有对其改造升华，才可获得真正完美。米开朗基罗曾说过：一切“中顺的表现”现实的形象是艺术的下品。他所追求的是崇高的人，或具有神性的人。
洛伦佐梅迪契墓－米开朗基罗
这座雕像完成时，很多人诟病他不像洛伦佐梅迪契本人，米开朗基罗对此却不屑一顾。他想表现的是理想化的梅迪契——一位身披铠甲的古罗马战神。
拉薇拉塔－拉斐尔
西斯庭圣母－拉斐尔
据说拉薇拉塔是拉斐尔的初恋情人，我们从这个美丽少女身上感受到了人世间的甜美与温情。在西斯庭圣母中，我们依旧可以发现拉薇拉塔的影子，她依旧恬静，但却又如此高迈遥远。她肩负着崇高的使命，将怀中的基督带到凡间，为全人类受难。看来，要成为“神”的，便不可再是“人”的。
（四）后文艺复兴
文艺复兴后，人们厌倦了理性，转而追求感情自然的流露。
木匠家庭－伦勃朗
一束强烈的光线从窗外射来，照亮了圣母怀中的基督，其它部分被黑暗笼罩。这是伦勃朗的一贯手法：用黑暗衬托光明，并用光将全部人物沐浴在一种神圣的氛围中。观者似乎受到这种氛围感染，而被引领到远离现实的世界中。
氛围虽然是神圣的，但人物、环境却是写实的。在这里，圣母和圣安尼不复象达芬奇、拉斐尔笔下那般完美，她们只是普通的乡村妇女，生活在一个普通的木匠家庭。而家中的一切，连最细微的部分亦是用写实主义描绘。因为真实，所以亲切；因为亲切，所以感动。这是人的，而非神的。
鲁本斯（未完待续）
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